Ciclo ‘Antroposcenes, narraciones sobre la vida a la Antropocè' comisariado por Pau Waelder

LA FAÇANA inaugura un ciclo de arte digital sobre los efectos de la actividad humana sobre la Tierra.

Alo largo del 2024, la 'sala exterior' de Lo Pati acogerá ‘Antroposcenes, narracions sobre la vida a la Antropocè', un ciclo comisariado por Pau Waelder con seis propuestas artísticas.

Hace justo un año, Lo Pati presentó su nueva sala expositiva: La FaÇANA de Lo Pati, que toma forma de una gran pantalla de 6x3 metros situada al exterior del edificio y que dispone de programación propia. Este año, la segunda edición del ciclo audiovisual estará comisariada por Pau Waelder, escritor e investigador especializado en arte digital, bajo el título ‘Antroposcenes, narracions sobre la vida a l’Antropocè'.

Waelder ha escogido el trabajo de seis artistas que bajo el nombre reflexionan sobre la vida en el antropoceno, un concepto que remite a la idea de periodo geológico y que fue propuesto hace veinte años por el ecologista Eugene Stoermer y el químico Paul Crutzen para definir los tiempos marcados por la decisiva influencia de la actividad humana en nuestro planeta. El antropoceno comlleva el peligro de aceptar que nuestras acciones son irreparables, pero a la vez nos otorga un sentido de responsabilidad respecto al medio ambiente. Entender las consecuencias de nuestros hábitos de consumo y nuestras actividades cotidianas en un ecosistema llevado al límite por el abuso de los recursos naturales, la producción de residuos y la polución es tanto una necesidad como un deber.

Las artistas que participan en esta selección han producido obras audiovisuales que nos ofrecen, desde diferentes perspectivas, escenas de la vida en el antropoceno, particularmente de aquellos entornos y sistemas que ignoramos, pero que tienen un papel determinante en la vida a la Tierra. Desde el fondo oceánico a las minas de las que se extraen los materiales que facilitan nuestra vida digital, de los glaciares a los fenómenos atmosféricos, de los incendios forestales a las ciudades masificadas, estas obras nos llevan a reflexionar sobre nuestro planeta, el mundo en el que queremos vivir y queremos dejar para las próximas generaciones.

Pau Waelder es comisario en hacia Niio, plataforma de video arte y arte digital. Es Doctor en Sociedad de la Información y el Conocimiento por la Universitat Oberta de Catalunya (UOC) y autor del libro sobre coleccionismo de arte contemporáneo y digital You Can Be A Wealthy/ Cash-*Strapped Arte Collector In The Digital Age (Printer Fault Press, 2020).

Marina Zurkow. Del 21 febrero al 20 abril.

OOzy #3: just because you can’t swim in it doesn’t mean it isn’t there

Esta pieza ofrece a los humanos antropocéntricos la posibilidad de soñar con las partes más profundas del océano, para imaginar y proteger estos paisajes, que son de hecho un componente desconocido, crítico y vivo de nuestros sistemas planetarios. A 6.000 metros bajo la superficie del océano, un ser humano experimentaría una presión agobiante, temperaturas de congelación y oscuridad total. Pero en estas zonas prosperan escollos de coral, calamares y arañas marinas entre otros muchos animales.

El trabajo de Marina Zurkow explora la relación entre natura, cultura y sociedad, centrándose en el que ella describe como 'problemas complejos', aquellos problemas que revelan nuestras interacciones abusivas con el entorno natural. Su obra se ha expuesto en numerosos museos de arte internacionales. Zurkow fue becaria Guggenheim de 2011 y recibió subvenciones de la Fundación Rockefeller.

Claudia Larcher. Del 21 de abril al 20 junio.

Noise above our heads, 2016

El video muestra formaciones rocosas (naturales) y fragmentos de arquitectura (artificiales) transformados los unos en los otros, como si surgieran juntos en un escenario distópico. Los espacios arquitectónicos montados en las rocas recuerdan los esbozos de Bruno Taut de visiones arquitectónicas alpinas. El movimiento de la cámara que se mueve directamente hacia abajo, una panorámica vertical, sugiere un movimiento de caída que molesta el espectador. La amenaza en si no se puede localizar, la caída nunca culmina en una colisión. La tensión no se libera, la amenaza se ha vuelto permanente. Hablando al·legòricament, la obra explora la cuestión de los centros de datos ocultos e inaccesibles para el público, espacios de servidores parecidos a búnkeres que almacenan miles de millones de bytes de información.

El trabajo de Claudia Larcher explora la animación de video, el collage, la fotografía y la instalación con un enfoque cinematográfico particular de la narración y la capacidad de extraer narraciones de espacios cotidianos aparentemente indescriptibles. Residente en Viena, ha presentado su trabajo en numerosas exposiciones en Austria y en el extranjero, como por ejemplo Tokyo Wonder Site (Japón), Slought Foundation Philadelphia, Weimar Arte Festival, Centro Pompidou (París), Museum of Contemporary Arte de Roskilde, Manifiesta 13 y Anthology Film Archives (Nueva York).

Diane Drubay. Del 21 junio al 20 de agosto.

Ignis II

Catorce segundos hacia la neutralidad de carbono o el punto de no retorno. Los segundos se convierten en años. Catorce segundos para experimentar la metamorfosis de la utopía en distopía. Catorce años para lograr la neutralidad de carbono o el punto de no retorno. Esta pieza juega con la psicología del color para crear una inmersión que dibuja dos futuros posibles, tanto fascinantes como demoledores.

Diane Drubay es una videoartista y fotógrafa que investiga experiencias trascendentales y psicoactivas expuestas en representaciones de la natura que amplían la idea del sublime. Sus obras llaman la atención sobre la emergencia climática, las realidades virtuales y la participación de la comunidad. Es la fundadora de We Are Museums y WAC-Lab, cofundadora de alterHEN, una galería NFT dirigida por artistas, cofundadora de Arteztic, un colectivo de artistas ambientales, mentora de la VerticalCrypto Arte Residency 2021-2023, y miembro de Museums For Future.

Kelly Richardson. Del 21 de agosto al 20 de octubre.

HALO I

HALO I (junto con II e iII) son las secuelas de Camp, un video que presenta una escena cotidiana de la vida al aire libre filmada por el artista en 1998. La luna llena de un anochecer de verano se ve distorsionada por el calor que sube de una hoguera crepitjant. Veintitrés años después de producir Camp, la promesa del que lleva el verano ha cambiado. Pasado, presente y futuro, HALO hace referencia al importante bucle de retroalimentación en que nos encontramos ahora después de décadas de advertencias. Las hogueras están prohibidas en verano en la Columbia Británica (donde vive la artista). Como que las sequías graves y prolongadas son la nueva normalidad, el riesgo de incendio forestal es extremo.

Kelly Richardson crea instalaciones de video e impresiones digitales que ofrecen visiones imaginativas del futuro que piden una consideración cuidadosa del presente. Su trabajo ha sido ampliamente aclamado en Norteamérica, Asia y Europa. Las exposiciones individuales recientes incluyen NGCA (Inglaterra), Dundee Contemporary Artes (Escocia), Naturhistorisches Museum Wien (Austria), SMoCA (EE. UU.), CAG Vancouver (Canadá), VOID Derry (Irlanda) y una encuesta importante a la Albright-*Knox. (EE. UU.).

Yuge Zhou. Del 21 de octubre al 20 de diciembre.

Interlinked II

Interlinked II es un collage de centenares de videoclips filmados a las estaciones de metro de la ciudad de Nueva York. Esta red subterránea se convierte en el escenario de las rutinas de Sísifo de sus viajeros. El movimiento siempre cíclico sugiere un ritmo y una teatralidad en estos pasillos urbanos.

Yuge Zhou es una artista visual nacida en China y que vive en Chicago, el trabajo de la cual aborda el arraigo, la añoranza y los encuentros transitorios a través de espacios construidos o naturales: los lugares de nuestros sueños compartidos. Yuge ha expuesto a nivel nacional e internacional en centros de arte y lugares públicos y actualmente es miembro de NEW INC, la incubadora de arte y tecnología del New Museum. Sus galardones recientes incluyen el premio del Jurado en la categoría de instalación a ArtPrize 2021, el premio Artist Fellowship in Media Artes del Illinois Artes Council y la Mención honorífica al Prix Ars Electronica 2020 a Linz, Austria.

Theresa Schubert. Del 21 de desmebre al 20 de febrero.

A synthetic archive (AI glaciers)

Theresa Schubert ha creado una proyección de video audiovisual basada en la inteligencia artificial que muestra paisajes de montaña sintéticos emergentes y en disolución con glaciares. Los datos recogidos por el artista se emplearon para alimentar tres modelos de aprendizaje automático. Los algoritmos de aprendizaje automático transformaron los datos en un collage estético abierto, siempre cambiante. Asignaron formas visuales a los significados de las palabras, revelando los glaciares de una nueva manera poética, a la vez que proporcionaban una visión crítica del estado de estas formaciones efímeras.

La Dra. Theresa Schubert es una artista, investigadora y comisaria que vive en Berlín y explora visiones no convencionales de la natura, la tecnología y el yo. Es doctora en arte multimedia por la Universidad Bauhaus de Weimar. Su práctica combina medios audiovisuales y híbridos con instalaciones o performances conceptuales e inmersivas. La obra de Schubert se ha expuesto internacionalmente. Los espacios incluyen: Ars Electronica, Linz, Arte Laboratory Berlin, BOZAR Bruselas, KW Institute for Contemporary Arte Berlin, Newcastle Region Arte Gallery, Electro Fringe Festival Australia, Futurium Berlin, Estambul Biennial, European Media Arte Festival, Kapelica Gallery, Museum Villa Eructo, MMOMA Moscú y el Museo de Arte Contemporáneo de Perm.